Umberto Di Marino

The practice of travelling in “liquid modernity” can increasingly be compared to a grey pause within our everyday lives. We travel between appointments or attempts to evade them, no longer moving according to temporal and spatial coordinates. However, fast trains, cheap air travel and last minute flights are just symptoms of a new mental approach produced by these new means of communication. In our minds, the Internet, Google Earth and iPhones have eradicated the idea that there can be a time between dreaming and embarking on a journey to “another place”, besides eliminating the space of the account of the journey. Nowadays, more than ever before, travelling is no longer synonymous with rounded experience so that variables or hitches are no longer contemplated. The recent ash cloud from the Icelandic volcano Eyjafjallajokull has made it clear that we cannot exert control over everything and that just typing in the name of a place or making a booking does not mean actually reaching it, understanding it or knowing it. All destinations are now possible so that the risk is that if we can be in all places, we ultimately don’t inhabit even one of them. Given that we are no longer a sedentary nor a nomadic society, but are in a position halfway between the two, it is now important to give new substance to our – albeit partial – view of the world and therefore to the way in which we address and interpret the signs of reality.

Nowadays, there are no longer unknown regions - in the sense of unchartered territory – and it is not necessary to travel to have contact with other civilisations and discover other ways of “being in the world”. The true unknown territory is the new awareness of the physical perspective in which we find ourselves in any specific moment and with which to entering into relations with otherness. The works in the exhibition tell us of journeys in the sense of their being authentically partial experiences on the part of the artists who seek to discover and establish a dialogue with reality in order to share it subsequently with “others who are different from them”. The images are containers of a previous experience, only to become detonators that create a new dialogue at the moment of fruition. Indeed, the common theme running though the work of the artists involved is the use of references to different places in world geography in order to make an observation “in progress” about the cultural identity of the individual with respect to the collective one and vice versa.

The works in the exhibition describe a specific encounter with the world while, at the same time, they are the representation of the cultural codes with which we observe the world and interpret it. The structuralist question of whether “we see what we already know or see in order to discover new things” finds, in this case, an alternative solution. The modernist utopia is analysed by Runo Lagomarsino in the work "Contratiempos", in which the viewer is presented with a slide show of images of figures which refer to the south American continent. These forms are nothing other than the puttying done by the artist himself to repair the wounds and damage within the monumental complex built by Oscar Niemeyer in Brasilia, the city which is a symbol of the western model applied “to other worlds” and constructed “with innovative/modern/eternal reinforced concrete”. For this reason, in the other work, visitors, by being able to take away the postcards offered by the artist, completely overturn the concept, transforming what remains of a colonising undertaking into an intimate gesture. The idea of life conceived of as a theatrical sequence and the attempt to visualise the passing of people from a specific place is present in the video work “Singspiel” by Ulla von Brandenburg. The narrated action, a physical and psychological encounter involving a video camera and actors within the space of Villa Savoye, designed by Le Corbusier in 1929, enables us to reflect on the relationship between history and memory, between personal experience and the objectivity of places. The stools of varying sizes and shapes that are in the room where the video is projected transform the place into a large stopover area, like a sort of square, where reflection on collective memory is not just passively experienced by the viewers. The present-day need to have control over where we are by means of electronic maps, independently of the landscape we are watching, is highlighted, by contradicting it, by the “disorientation” created by the work of Elena Bajo. By introducing the presence of a sort of meteorite into the gallery space, the artist transforms it into a non-place which could belong to any situation or time, but with a new characteristic – that of epiphany. The same motive led her to make a video of her journey through two deserts: the Dry Lake Desert and the Mountain of Quartz in California. The desire for the unknown, which is pursued in order to gain a new perception of the known, is the theme of the work of Pedro Neves Marques and André Romão, which both artists evoke through the same subject – a journey by boat – even though it is tackled in different ways. The first work consists of a video “Nothing lasts forever”, the subject of which – a man rowing a boat – is shown in the foreground, in black and white; the rower continues to move without the destination or point of departure being visible. The second work, “Costa Atlântica Portuguesa (de Caminha-Viana do Castelo ao Cabo de Sagres)”, consists of photographs which are all the same but all different, which the artist took from a sea voyage parallel to the Portuguese coast, treating it as the point of departure for long voyages for distant lands in order to reflect on territorial/cultural identity. The two artists have made a collective work especially for the exhibition, the performance “A curtain of smoke/marble and glass – on the afterlife of bureaucracy”, that becomes a realization and a criticism to the bureaucracy and the abstract codes that always let the human beings coexist. In their case, the new awareness of space takes place through the staging of a dialogue between two performers divided by a large Plexiglas wall which refers to the need in ancient Greece to consult the oracle before embarking on any sort of journey.

All the works deal with the theme of the moving body of the individual and the dynamics that the body creates with the “surroundings”, both physical and mental, that are encountered from time to time. With this exhibition it seems quite clear that, in order to contemplate a journey, it is not essential to know the exact point of arrival but it is of vital importance to know the exact point where one is in that specific moment. In this case, the Umberto Di Marino Gallery becomes a “temporary vantage point” from which to rethink and re-imagine the world collectively. The works act like devices that involve the spectator and interact with each other, even though they are by different artists, creating a common but unprecedented horizon and overturning the traditional division into little personal exhibitions usually held in a gallery which is visited room after room. Thus the idea of a journey, rather than being just a theme, becomes an atmosphere and an attitude to be shared, as well as a means of interpreting, in a different light, the individual paths of the five guest artists who always seek to reflect on the role of the individual (artist/spectator) with respect to society and vice versa. In this world, in which cultural differences and a common future need to be completely rethought, the questions “why leave?” and “where to return?” take on a new meaning. For this reason the artists’ images of “other places” proposed as a means of dialogue are not important in terms of their exotic, exemplary or heroic dimension, but in terms of how they can become a means of reflecting collectively on the questions of “where we are, who we are, where we are going and what we are doing”.

The project “The Horizon line is here – tornare per partire”, curated by Lorenzo Bruni, is completed and has a further possibility for development with a publication which has been prepared especially for the occasion and which will be presented for the closing day of the exhibition in September. The book is partly dedicated to the guest artists and the works on display and partly offers a further reflection on the idea of travel. Moreover, the theme of travel becomes, on this occasion, not just a means of interpreting the work of the guest artists but also a means of exploring the work of the artists who have had personal exhibitions at the Umberto Di Marino Gallery during the 2009/2010 season. The artists are Luca Francesconi (Mantua 1979; lives and works in Milan), Sergio Vega (Buenos Aires 1959; lives and works in America), Marinella Senatore (Cava dei Tirreni 1977; lives and works in Rome and Madrid), Eugenio Tibaldi (Alba 1977; lives and works in Naples), and Jota Castro (Perù 1965; lives and works in Brussels), Francesco Jodice (Napoli 1967; lives and works in Milano). This reflection is completed by a conversation with Umberto Di Marino which makes it possible to retrace the path he has followed over the years. (Lorenzo Bruni)

Elena Bajo (Madrid 1974; lives and works between New York and Berlin) she took part to many exhibitions, for instance: “When you cut into the Present the Future leaks out”, P.S.1 / MoMA New York, 2009; “The 4th annual Festival TINA B”, Prague, 2009; Talent Preview, Whitebox, New York, 2009; “VonJetz Bis Dann Goldrausch 08”, Kunstraum Bethanien, Berlin, 2008; “Public Improvisations”, Fondazione Antonio Ratti, Milan, 2008; “Bad Moon Rising curated”, ISCP, New York, 2008; “Second Moscow Biennal of Contemporary Art”, Moscow, 2007; “Vision Request A-Z West Andrea Zittel”, Los Angeles, 2007; “Border Conditions East”, 66 Gallery, Amsterdam, 2004.

Ulla Von Brandenburg (Karlsruhe Germania, 1974; lives and works in Hamburg and Paris) she exhibited in several solo shows at: Le Plateau-FRAC, Île de France, Paris, 2009; CCA Wattis Institute, San Francisco, 2008; Stedelijk Museum, Amsterdam, 2007; Palais de Tokyo, Paris, 2006; Kunsthalle, Zurich. 2006. And group show like the 53rd Venice Biennale; “Yokohama Triennial”:, Japan, 2008; “2 Turin Triennial”, Italy, 2008; “The World as a Stage”, ICA, Boston, USA/Tate Modern, London, 2007; “... 5 Min Later,” KW, Berlin, 2007; “Performa07”, New York, 2005; “Prague Biennale 3”, Praga, 2005.

Runo Lagomarsino (Malmo, 1977; lives and works in Malmo, Sweden) his works were presented in: “Free as Air and Water”, Cooper Union, New York, 2009; ”Report on Probability” Kunsthalle Basel, 2009; Photography Now: 2009 CFF – Centrum för Fotografi, Stockholm, 2009; Mamöyguara opá mamö pupé-Panorama da Arte Brasileira, Museu De Arte Moderna-MAM, Sao Paolo, 2009;”2da Trienal Poli/Gráfica de San Juan: América Latina y el Caribe” San Juan, 2009; ”Notes from The Living Dead Museum” Living Art Museum, Reykjavik, 2009; “Try again, fail again,fail better”, Mucsarnok Kunsthalle, Budapest, 2008; ”Annual Report: A Year in Exhibitions”, The 7Th Gwangju Biennale, Gwangju, 2008; “Whitney Independent Study Program Exhibition”, New York, 2008; ”Imagine Action”, Lisson Gallery, London, 2007; ”Heterotopias”, Thessaloniki Biennalen, Thessaloniki, 2007.

Pedro Neves Marques (Lisbona, 1984; vive e lavora a Lisbona e Londra) among his last shows: "On the invisibility of performance and the resonance of lives", etcgalerie, Prague,CZ, 2010; "A camel is a horse designed by a committee", Fondazione Claudio Buziol, Venice, 2009; Democracy among Tyrants", Galeria Pedro Cera, Lisbon, 2009; "The Wandering Chief (1880-1891)", Espaço Avenida-Sala Bébé, 2009; "A River ain't too much to Love", Spike Island Art Center, Bristol; Abridged Imagetics", Galeria Pedro Cera, Lisbon, 2008; "Before production ceases", Espaço Avenida, Lisbon, 2007; "Bes Revelaçao 2007 Art Prize", Serralves Museum of Contemporary Art, Oporto, 2007

André Romão (Lisbon, 1984; lives and works in Berlin) among his last shows: “Open Studios”, Künstlerhaus, Bethanien, Berlin, 2010; “O Sol Morre Cedo”, Pavilhão Branco, City Museum, Lisbon, 2009; “Jenseits”, En Blaco Projektraum, Berlin, 2009; Drawings, A-Z, Pavilhão Preto, City Museum, Lisbon, 2009; “A River Ain’t Too Much to Love”, Spike Island Art Center, Bristol, 2008; “Luoghi per eroi”, Vianuova Arte Contemporanea, Firenze, 2008; Ocorrência, Galeria Baginski, Lisbon, 2008; EDP New Artist Award, Central do Freixo, Oporto, 2007.

Lorenzo Bruni critic and freelance curator, lives and works in Florence. Among his last main projects, the cycle of shows around the idea of archive at Monash University in Prato in 2009 and the group show “Getting nowhere-voglio essere proprio qui” at Gentili Gallery with Paolo Parisi, Loris Grèaud, Alexis Harding, Martin Boyce, Jose Dàvila, Sergej Jensen. Among his project in 2008, “Il viaggio di Sarah” at Bulgaria Biennale in Varna - a show around the idea of travel – and “What is my name ?” for the HISK in Gent (Belgium), where he analized a specific romantic issue of conceptual art from the 70’s until now, through the work of artists like Jiri Kovanda, Jonathan Monk, Maurizio Nannucci and Mario Garcia Torres. He took part to several monographs and he’s going through a volume about the relation between Art and Architecture from the 70’s until now for Silvana Editoriale. At the moment he is contributor for some magazine like Arte e Critica and Flash Art.

“The Horizon line is here – tornare per partire” è una mostra collettiva, a cura di Lorenzo Bruni, sull’idea di viaggio con Elena Bajo, Ulla Von Brandenburg, Runo Lagomarsino, Pedro Neves Marques e André Romão, ed è costituita da video-installazioni, performances, sculture, fotografie e disegni realizzati per lo più appositamente per l’occasione e per lo spazio fisico della Galleria Umberto Di Marino.

La pratica del viaggio nella “modernità liquida” è sempre più paragonabile ad una pausa grigia all’interno della nostra quotidianità. Viaggiamo tra appuntamenti o evasioni da essi e non più spostandoci per coordinate temporali e spaziali. Però i treni veloci, i voli low cost e i last minute sono solo i sintomi di un nuovo atteggiamento mentale prodotto dal nuovo uso dei mezzi di comunicazione. Internet, Google Earth, iPhone hanno infatti estirpato nella nostra percezione l’idea che possa esistere un tempo tra il fantasticare e l’affrontare un viaggio in “un luogo altro”, oltre a eliminare lo spazio del racconto dello stesso. Infatti, oggi più che mai, viaggiare non è sinonimo di esperienza a tutto tondo e di conseguenza non sono contemplate variabili o incidenti di percorso. La recente nuvola di fumo del vulcano islandese Eyjafjallajokull ha reso evidente che non possiamo avere il controllo su tutto e che solo digitare il nome di un luogo o fare una prenotazione non vuol dire raggiungerlo, capirlo o conoscerlo. Adesso tutte le mete sono possibili, il rischio quindi è che se possiamo essere in tutti i luoghi alla fine non ne abitiamo neanche uno. Visto che non siamo più una società nè stanziale e nè nomade, ma in una via di mezzo tra le due, adesso è importante dare nuova concretezza al punto di vista, seppur parziale, sul mondo e quindi al modo con cui ci confrontiamo e interpretiamo i segni del reale.

Oggi non esistono territori sconosciuti in senso di non mappati e non è necessario viaggiare per avere contatti con altre civiltà e scoprire altri modi di “essere nel mondo”. Il vero territorio ignoto è la nuova consapevolezza del punto di vista fisico in cui ci troviamo in quel dato momento e con cui aprire un confronto con l’altro. Le opere presenti in mostra ci parlano di viaggi in quanto esperienze squisitamente parziali da parte dell’artista in prima persona che sperimenta il tentativo di scoperta e dialogo con il reale per condividerlo successivamente con gli “altri diversi da sè”. Le immagini sono contenitori di un’esperienza precedente, ma solo per farsi detonatori per creare un dialogo nuovo nel momento della fruizione. Infatti, ciò che accomuna il lavoro degli artisti interpellati è l’utilizzo di riferimenti a luoghi differenti nella geografia mondiale per effettuare una riflessione in progress sull’identità culturale del singolo soggetto rispetto a quella collettiva e viceversa.

Le opere presenti narrano di un particolare incontro con il mondo e allo stesso tempo sono la rappresentazione dei codici culturali con cui lo osserviamo e lo interpretiamo. La questione strutturalista di “vediamo solo ciò che conosciamo già o vediamo per conoscere cose nuove” ottiene, in questo caso, una terza via di soluzione. L’utopia modernista viene analizzata da Runo Lagomarsino nel lavoro "Contratiempos", nel quale ci troviamo di fronte ad uno slide show di immagini di figure che rimandano al continente sudamericano. Queste forme non sono altro che le crepe rilevate dall’artista stesso all’interno del complesso monumentale costruito da Oscar Niemeyer a San Paolo, città simbolo del modello occidentale applicato “ad altri mondi” e realizzato “con l’innovativo/moderno/eterno cemento armato”. Per questo nell’altro lavoro i visitatori, potendosi portare via le cartoline da lui offerte, ribaltano completamente il concetto, trasformando in un gesto intimo quello che resta di un’impresa colonizzatrice. L’idea di vita pensata come una sequenza teatrale e il tentare di visualizzare il passaggio delle persone da un certo luogo è presente nell’opera video “Singspiel” di Ulla von Brandenburg. L’azione narrata, un confronto fisico e psicologico di telecamera e attori con lo spazio della Villa Savoye disegnata da Le Corbusier nel 1929, ci permette di riflettere sul rapporto tra storia e memoria, tra esperienza personale e oggettività dei luoghi. Gli sgabelli di varia misura e forma presenti nella stanza dove è proiettato il video tramutano il luogo in un grande punto di sosta, come una sorta di piazza, dove la riflessione sulla memoria collettiva non è subita solo passivamente dagli spettatori. La necessità nel nostro presente di avere un controllo su dove siamo attraverso le mappe elettroniche indipendentemente dal paesaggio che vediamo, è messo in evidenza, contraddicendolo, dal lavoro di “spaesamento” di Elena Bajo. L’artista introducendo la presenza di una sorta di meteorite nello spazio della galleria lo trasforma in un non luogo che potrebbe appartenere a qualsiasi situazione e tempo, ma con una nuova caratteristica di epifania.

Lo stesso movente l’ha portata a realizzare un video del suo attraversamento di due deserti: il Dry Lake Desert ed il Mountain of Quartz in California. Il desiderio d’ignoto, affrontato per avere una nuova percezione del noto, riguarda la ricerca di Pedro Neves Marques e André Romão, che entrambi evocano con lo stesso soggetto di un viaggio in

barca, anche se sviluppato in maniera diversa. Il primo consiste in un video “Nothing lasts forever” il cui soggetto in primo piano, un rematore in barca, in bianco e nero continua ad essere in movimento senza che meta o partenza siano visibili. Il secondo lavoro, “Costa Atlântica Portuguesa (de Caminha-Viana do Castelo ao Cabo de Sagres)”, consiste in fotografie tutte uguali e tutte diverse che l’artista ha ripreso da un viaggio in mare in parallelo alla costa portoghese, rendendola da punto di partenza per lunghi viaggi e per terre lontane a riflessione sull’identità territoriale/culturale. Per l’occasione i due artisti realizzano un’opera a quattro mani, la performance “A curtain of smoke/marble and glass – on the afterlife of bureaucracy”, che diventa una costatazione ed una critica alla burocrazia e ai codici astratti che permettono la coesistenza degli esseri umani da sempre. Nel loro caso la presa di coscienza dello spazio avviene attraverso la messa in scena del dialogo tra un performer e l’immagine dell’Omphalos, il centro del mondo per la cultura antica, divisi da una grande parete di plexiglass che rimanda all’esigenza nell’antica Grecia di interpellare l’oracolo prima di intraprendere qualsiasi tipo di viaggio.

Tutte le opere ci parlano del corpo del soggetto in movimento e delle dinamiche che esso stabilisce con “l’attorno”, fisico e mentale, che di volta in volta attraversa. Appare così evidente che per ipotizzare un viaggio non è tanto importante sapere il punto esatto in cui si vuole arrivare, ma piuttosto conoscere il punto esatto in cui ci troviamo in quel dato istante. In questo caso la Galleria Umberto Di Marino si prefigura come “punto di vista momentaneo” da cui ripensare e re-immaginare collettivamente il mondo. Le opere agiscono come dei dispositivi che chiamano in causa la presenza dello spettatore e che dialogano tra di loro anche se sono di autori differenti, costruendo così un orizzonte comune, ma inedito, e ribaltando la divisione in piccole personali che suggerisce solitamente lo spazio della galleria che si percorre stanza dopo stanza. Così, l’idea del viaggio più che un tema diventa un’atmosfera e un’attitudine da condividere, oltre ad essere una chiave di lettura con cui leggere sotto un’altra luce i percorsi individuali dei cinque artisti invitati; i quali puntano sempre ad una riflessione sul ruolo del soggetto (artista/spettatore) rispetto all’attuale società e viceversa. In questo mondo, nel quale le differenze culturali e il futuro comune devono essere ripensati dalla base, le domande “perché partire?” e “dove tornare”? acquistano una nuova valenza. Per questo le immagini degli artisti “di luoghi altri” proposti come mezzo di dialogo non sono importanti per la loro dimensione esotica o esemplare o eroica, ma per il loro farsi mezzi per riflettere collettivamente su “dove siamo, chi siamo, dove andiamo, cosa facciamo”.

Il progetto “The Horizon line is here – tornare per partire”, a cura di Lorenzo Bruni, si completa ed ha un’ulteriore possibilità di sviluppo con la pubblicazione realizzata per l’occasione e che sarà presentata per il finissage della mostra nel mese di settembre. Questo libro è costituito da una parte dedicata agli artisti invitati ed alle opere in mostra e da una riflessione ulteriore sull’idea del viaggio. Inoltre il tema del viaggiare diventa in questa occasione non solo una chiave per interpretare il lavoro degli artisti invitati ma anche per indagare il lavoro degli artisti che hanno realizzato la mostra personale nella stagione 2009/2010 da Umberto Di Marino. Gli artisti sono Luca Francesconi (Mantova 1979; vive e lavora a Milano), Sergio Vega (Buenos Aires 1959; vive e lavora in America), Marinella Senatore (Cava dei Tirreni 1977; vive e lavora a Roma e Madrid), Eugenio Tibaldi (Alba 1977; vive e lavora a Napoli), Jota Castro (Perù 1965; vive e lavora a Bruxelles), Francesco Jodice (Napoli 1967; vive e lavora a Milano). Link to the artist >